The Pretenders - "I'll Stand by You" /"Я буду с тобой" (Кавер Дэвида был выпущен на альбоме Rock Symphonies (2010)
Песня была выпущена в 1994 году группой The Pretenders она вошла в их шестой студийный альбом Last of the Independents. Она была написана Крисси Хайнд в сотрудничестве с командой авторов Томом Келли и Билли Стейнбергом. Это был последний успешный сингл The Pretenders в Северной Америке. Песня имеет громадное количество каверов - в разное врем ее исполняли Шакира, Род Стюарт, Патти ЛаБель и многие другие. Песня звучала во многих благотворительных проектах, так например Шакира исполнила ее на мероприятии в помощь пострадавшим во время землетрясения на Гаити в 2010 году, все средства, вырученные от продажи сингла были направлены на нужды пострадавших от стихийного бедствия.
Toto - Child's Anthem (Кавер Дэвида был выпущен на альбоме Rock Symphonies (2010)
Песня записана американской группой Toto для дебютного альбома. Toto — американская музыкальная группа, исполняющая прогрессивный рок, поп-рок, хард-рок и софт-рок. Первоначально в состав коллектива входили Дэвид Пейч (вокал, клавишные), Стив Люкатер (гитара, вокал), Бобби Кимболл (вокал), Стив Поркаро (клавишные), Джефф Поркаро (ударные, перкуссия), Дэвид Хангейт (бас-гитара).
Группа была образована в Калифорнии в 1977 году. Коллектив сумел органично соединить прогрессивный рок, ритм-энд-блюз и хард-рок, сплав которых и был представлен на дебютном альбоме под названием Toto, а также освоить такие направления как соул, фанк и джаз. Пик популярности Toto пришёлся на конец 70-х — начало 80-х годов.
Кстати, группа в полном составе начиная с 1978 года работала в качестве студийных музыкантов Майкла Джексона. https://ru.wikipedia.org/wiki/Toto
Coldplay - Viva la Vida (Кавер Дэвида был выпущен на альбоме Music (2012)
Дэвид о своем кавере: "Аэммммммм......большой фанат Coldplay. Одна из моих любимых композиций, которую знает каждый — Viva la Vida. Я решил взять её, потому что она построена как фуга И.С. Баха - слой за слоем, много голосов, которые, однако, находятся в единой гармонии. Я увидел в этом прекрасную возможность создать свой собственный орекестр посредством педаль-борда. Мне очень нравится делать это как в живую, так и для альбома. Звучит классно — первые полторы минуты слышен только мой инструмент, накладывающийся всё время сам на себя. Мне кажется, это очень подходит для скрипки, и получилось действительно очень хорошо. Это один из моих любимых треков альбома." (http://david-garrett-russianfans.ru/viewtopic.php?id=.. )
«Viva la Vida» — второй сингл британской рок-группы Coldplay из альбома Viva la Vida or Death and All His Friends. Его название, означающее по-испански «Да здравствует жизнь», позаимствовано из натюрморта Фриды Кало. Coldplay (произносится как Ко́лдплэй) — британская рок-группа. Начав играть в январе 1998 года, настоящего успеха в мире Coldplay добились только в 2000 году, после выхода их второго сингла «Yellow» из альбома Parachutes, ворвавшегося на вершины всех чартов Великобритании и Соединённых Штатов Америки. Альбомы Coldplay разошлись тиражом более 80 миллионов экземпляров.
Coldplay получали премию Грэмми восемь раз. Песни «In My Place» (в 2003 году), «Speed of Sound» (в 2006), «Talk» (в 2007), «Viva la Vida» (в 2009), «Life in Technicolor II» (2009), «Paradise» (в 2012), «Every Teardrop Is a Waterfall» (в 2012) и «Charlie Brown» (в 2013) Coldplay также получили или были номинированы на премии Грэмми.
Группа принимала участие в различных социальных проектах, таких как Band Aid 20, Live 8, компании в поддержку детей, больных раком. Также Coldplay выступили на закрытии параолимпийских игр 2012 в Лондоне. 7 февраля 2016 года группа выступила в традиционном шоу в перерыве юбилейного пятидесятого Супербоула.
По материалам Википедии *кстати, лидер-вокалист группы Крис Марин умеет играть на скрипке 😜
Justin Timberlake - Cry Me a River (Кавер Дэвида был выпущен на альбоме Music (2012)
Дэвид о треке: "Для меня это уже классика, несмотря на то, что эта композиция не так уж и стара. По-моему она вышла всего лет 10 назад. Я тогда её уже услышал, но не стал пристально присматриваться. Просто подумал, что мне нужна в любом случае для альбома R&B композиция, потому что я никогда ещё этого не делал. Это была для меня «неизведанная страна», и я рад, что у меня получилось." (http://david-garrett-russianfans.ru/viewtopic.php?id=..)
"Cry Me a River" — песня американского певца Джастина Тимберлейка с его дебютного альбома 2002 года Justified. Она была написана Тимберлейком, Скотт Сторчем и продюсером Тимбалэндом. В основу легли настоящие события о закончившихся отношениях с поп-певицей Бритни Спирс. Jive Records отправил сингл на радиостанции в США 24 ноября 2002 в качестве второго сингла с альбома. В ней были использованы кларнет, битбокс, гитары, синтезатор, риффы в арабском стиле и григорианское пение. «Cry Me a River» — это поп-баллада о мужчине с разбитым сердцем, который «не хочет вспоминать прошлое».
Сингл получил в общем положительные отзывы от критиков, которые сказали, что это потрясающий трек с альбома Justified и похвалили работу Тимбалэнда. Он получил награду Grammy Award в категории Лучшее мужское вокальное поп-исполнение на 46th Grammy Awards в 2004 году. Песня достигла максимальной высоты на третьей строчке в американском Hot 100 и чарте Pop Songs и попала в топ-10 в других странах. Она была сертифицирована золотой по версии Australian Recording Industry Association (ARIA) и серебряной по версии Syndicat National de l'Édition Phonographique (SNEP). Википедия
Надежда, спасибо большое - за работу, за идею! Ух ты! Эта тема точно станет одной из моих любимых. История музыки - через призму Дэвидового восприятия!
Michael Jackson - Human Nature (Кавер Дэвида был выпущен на альбоме Music (2012)
Дэвид о кавере: «В прошлом я аранжировал много композиций Майкла Джексона. И так как в этом альбоме [Music] достаточно много быстрых композиций, на этот раз мне захотелось взять от Майкла Джексона что-то более спокойное. Много раздумывал, как можно переложить эту вещь на мой инструмент. И, в конце концов, решил сделать это почти без смычка, практически только посредством пиццикато правой и левой рукой. Считаю, что это достаточно новый вид игры на инструменте, и я рад, что нашёл правильное отношение к этой композиции. Думаю, получилось очень красиво» (Источник http://david-garrett-russianfans.ru/viewtopic.php?id=..)
А теперь вспомните рассказ о Child's Anthem, в конце которого я упомянула, что группа Тото в полном составе работала в качестве студийных музыкантов Майкла Джексона. Так вот мелодия «Human Nature» была сочинена лидером группы Тото – Стивом Поркаро. На самом деле он написал эту песню о своей дочери. Его маленькая дочурка как-то пришла из школы в слезах: ее обидел какой-то мальчик. «Почему он так со мной поступает?» — не понимала она. Поркаро попытался объяснить ей, что, видимо, мальчик так выражает свой интерес к ней, что иногда парни так делают. Вскоре после этого в голову ему пришла мелодия. Он записал демо на кассету и отнес песню своей группе Toto. Но группе не понравилась эта баллада. «Нам нужно больше рок-песен, песен, которые будут хорошо звучать на стадионах», — сказали музыканты Стиву. Ирония этих слов не ускользнула от них, когда позднее, во время тура Victory, Майкл использовал «Human Nature» в качестве промо-номера, и все телеканалы транслировали эту песню, исполняемую на стадионах по всей Америке к полному восторгу публики. Так как же песня попала к Майклу Джексону? Стив утверждает, что по чистой случайности. Куинси Джонс [продюсер, композитор и музыкант в течение долгого времени работавший с Майклом Джексоном – прим. мое] обычно отводил людям в студии четкие роли. Если ты был звукоинженером, то ты не был музыкантом, а если ты был музыкантом, то ты не был композитором. Стив Поркаро, по его мнению, был музыкантом, поэтому Куинси никогда не просил его писать песни для Майкла. «Композитором» группы Toto был Дэвид Пейдж, и именно он получил предложение написать что-нибудь для Майкла Джексона. Дэвид сочинил несколько мелодий, но когда пришло время отправлять их Куинси, у него под рукой не оказалось чистой кассеты. Поэтому он взял кассету с демо-записями Поркаро, среди которых была и «Human Nature», записал свои заготовки на обратной стороне, пометил ее буквой «А» и отправил Джонсу. Дальнейшая история хорошо известна: по какой-то причине Куинси дослушал кассету до второй стороны, услышал песню и влюбился в нее. Стив уточняет, что любит писать песни с особой, необычной атмосферой, и именно атмосфера «Human Nature» покорила Джонса. (Юлия Сирош. Стив Поркаро и Chicago 1945 Источник: http://michaeljackson.ru/стив-поркаро-и-chicago-1945/) «Human Nature» – это синти-поп в его самом прекрасном проявлении. «Простая, совершенная, тихая и красивая» - описывает песню музыкальный критик J. Edward Keyes. «Джексон однажды сам охарактеризовал песню как «музыка с крыльями», и действительно, нежный голос певца, кажется, легко парит над пышными синтетическими аккордами струнных. В своем обзоре 1982 года «New York Times» назвал «Human Nature» наиболее «яркой» песней с альбома «Thriller»: «Это запоминающаяся, задумчивая баллада Стива Поркаро и Джона Беттиса, с неотразимым припевом, которая должна стать огромным хитом». В своем обзоре 2003 года «Slant Magazine» согласился, назвав композицию «возможно лучшей музыкальной композицией с альбома и, безусловно, одной из немногих А/C баллад своей эпохи». «Rolling Stone» назвал ее «по-красивому» хрупкой ... открытой и смелой». Легенда джаза Майлз Дэвис записал кавер-версию песни для своего альбома 1985 года «You're Under Arrest». Сэмплы и кавер-версии также использовались и были записаны многими другими исполнителями, в том числе «Boyz II Men», «Ne-Yo» и «SWV». (Джозеф Вогель. Человек в музыке)
Вольфганг Амадей Моцарт. «Реквием» Ре минор, К 626 (обозначение в каталоге Кёхеля — полном списке произведений В.А.Моцарта в хронологическом порядке. Обозначается абревиатурой K или KV).
Дэвид Гарретт сделал кавер на «Лакримозу» - Lacrimosa dies illa – шестую часть Секвенции. Он исполнял это произведение в туре Classic Revolution в 2014 — 2015 годах. Запись трека вошла в Делюкс-версию альбома 2015 года «Explosive”.
Последнее из 626 созданных за тридцать пять неописуемо плодотворных лет метеорной жизни Моцарта... Вряд ли существует музыкальное произведение с более мистической историей : таинственный заказчик, молодой гений, умерший во время создания. Фатально воплотившиеся предчувствия и страхи. На самом деле заказ был вполне обычным, а держать его в тайне приходилось по причинам меркантильным. Моцарт в то время остро нуждался в деньгах. В июне 1791 года некий богатенький граф Франц фон Вальзегг заказал ему заупокойную мессу для умершей любимой молодой жены. Граф действовал из сентиментальных побуждений, но всё же вёл себя как большой пошляк с манией величия. Мало было заказать мессу у одного из лучших композиторов Вены - ему не давали покоя видения славы... Так что он ничтоже сумяшеся купил авторство. Просто хотел выдать Реквием за своë творение. Потому и сделал заказ секретно, через посредника, являвшегося к Моцарту в тёмных скрывающих облик одеждах, и требовал неукоснительно хранить тайну. Страшно представить, насколько стеснённым был Моцарт, чтобы согласиться на эти условия...
Дело продвигалось медленнее, чем предвиделось, потому что как раз в это время вдруг оказалось много работы : опера "Милосердие Тита" на коронацию Леопольда Второго, "Волшебная флейта" и Кантата для собратьев-масонов, концерт для кларнетиста Антона Штадлера... Он всегда работал очень продуктивно, у него не бывало периодов творческого упадка, его траектория шла по восходящей... летела в небеса. Даже когда в ноябре свалился больной, думая, что его отравили, изо всех сил пытался закончить заказ. Пришлось обратиться за помощью к ученикам. Считается, что наибольший вклад в работу над Реквиемом внёс Зюсмайер, базируясь на Моцартовых набросках и глубоких знаниях об особенностях стиля учителя. Реквием — траурная заупокойная месса, написанная на канонический латинский текст. То есть структура произведения, количество и порядок частей, их тема и общий настрой строго предопределены, и музыка отображает и дополняет значение слов. Это позволяет сделать некоторые — конечно же, несовершенные — предположения о планах и намерениях Моцарта насчёт мелодий, звучания, оркестровки. Более глубокое, с применением математических методов анализа, изучение творчества композитора во второй половине прошлого века позволило сделать реконструкцию, которая считается самой точной на данный момент. Выполнил эту работу Ричард Мондер. И Лакримоза у него получила новое звучание — с более тонко выписанной хоровой партией и более медленным и деликатным «вальсовым ритмом» 12/8.
Так что в создании этой знаковой темы, как видим, принимало участие немало людей… Гений прощался с открытой душой, так же, как и жил. И оставил открытой дверь в свою музыку, словно - вот, вышел на минутку... С ним приходится консультироваться до сих пор — он вдохновляет и побуждает искать самое настоящее, самое тонкое дыхание его прощальной молитвы... Согласно легенде, последними из написанных самим Моцартом стали как раз восемь тактов Лакримозы. В структуре Реквиема как рода траурной оратории Лакримоза входит в секвенцию "Дни гнева". После суровых, грозных, выписаных с мрачной мощью картин уповающий на Бога человек обращается к Отцу с печальной молитвой. Эта светлая скорбь и есть «Лакримоза» - лирический центр мессы, человеческий всхлип - в небольшом тексте для хора :
"Плачевен тот день, Когда восстанет из праха Для суда грешный человек, Так пощади его, Боже! Милосердный Господи Иисусе, Даруй ему покой. Аминь."
Моцарт успел сделать чёткие указания на некоторые важные особенности именно этой мессы : отсутствие виртуозных арий и дуэтов, гораздо меньшее количество духовых и большее - струнных, наличие бассетгорнов, связанных с масонской тематикой. Реквием не похож на другие произведения духовной тематики. Эта музыка более интроспективна, она побуждает к раздумиям, в ней много символов. Скорбная мистическая мелодия «Лакримозы» пронзает душу до дна. Она вышла за рамки Реквиема и стала одной из эмблем классической музыки. И за более чем 200 лет существования ей довелось пережить немало интерпретаций и аранжировок.
Дэвид Гарретт сделал из этой темы рок-композицию. "Lacrimosa", пройдя через призму его солнечной личности, преобразившись в его фонтанирующей энергетике, звучит непокорно и жизнеутверждающе. Горестная линия скрипки ведёт основную партию хора, который присутствует на втором плане как фон, как базовая ткань. Первые восемь Моцартовых аутентичных тактов Дэвид играет хрустально чисто и одиноко, отделяя каждый из них движением-всхлипом смычка. Как контрапункт отчаянию и смирению звучат разложенные на арпеджио аккорды – усилие, сопротивление, протест. И неистовым бунтом человека творящего против сил небытия врываются похожие на гитарные резкие роковые рифы, замыкающие вечное звучание Лакримозы на современность. В Зальцбурге, в доме-музее Вольфгана Амадея Моцарта Дэвид Гарретт исполнил свой кавер. Это произошло в рамках съёмок программы "Волшебное Рождество" 2015 года.
BWV 565 согласно системе нумерации Bach-Werke-Verzeichnis, “Каталог работ Баха» Дэвид Гарретт сделал аранжировку в стиле рок-музыки. Кавер вошёл в альбом «Rock Symphonies” 2010 года. Вживую исполнялся на концертах одноименного турне, в сопровождении оркестра и рок-группы.
Справки и объяснения терминов (по материалам Википедии)
Bach-Werke-Verzeichis, абревиатура BWV – Каталог работ Баха - система нумерации, уложенная Шмидером в 1950 году и регулярно обновляемая в процессе изучения работ композитора. Последнюю версию подготовили А. Дюрр и Ёс. Кобаяси. Нумерация BWV используется повсеместно. Это общепринятый способ ссылки на работы Баха. В основе каталога лежит не хронологический, а тематический принцип. Это отличает его от каталогов произведений других классических композиторов и связано с тем, что большинство работ Баха не могут быть точно датированы. По традиции они издавались по жанрам.
Термины «токката» и «фуга» в нашем восприятии неразрывно связаны с периодом барокко.
Слово токкáта происходит от итальянского toccare, что значит касаться, трогать. Сначала так называли все произведения для клавишных инструментов. В современном понимании это инструментальная пьеса свободной, иногда рапсодиевой формы, с быстрым, чётким движеним с равными короткими длительностями, обычно для органа или клавира. Её особенность в том, что технические фигуры постоянно проводятся то правой, то левой рукой. Требует виртуозного владения инструментом, позволяет продемонстрировать мастерство исполнителя.
Слово фуга происходит от латинского fugere, что значит бежать, убегать. Этим словом называют не только жанр и форму, но и особенную композиционную технику полифонической музыки. Мастерство построения фуги считают музыкальным выражением самой идеи барокко. Этому периоду культурного развития свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, совмещение реальности и иллюзии, и одновременно — подчинение выразительных средств строгим математическим законам. Фуга как техника и жанр в музыке очень похожа на архитектуру барокко — с её чётко выверенными геометрическими формами и вычурными, пышными, изобильными украшениями.Фуга считается одной из самых сложных композиционных техник, требующей глубоко знания теоретических основ гармонии и досконального владения контрапунтическим музыкальным письмом. Композиционная техника состоит в наложении друг на друга музыкальных идей (тем), называемых субъектами. Они компонируются согласно правилам полифонии, построенной по законам контрапункта между несколькими голосами или инструментальными линиями, каждая из которых одинаково важна. Тема повторяется — имитируется — в каждом голосе. Таких линий обычно три — четыре, очень редко — две, но их количество может доходить и до восьми — десяти. Невозможно перечислить все приёмы и способы постороения фуги. Как техника, а не как отдельная форма, используется композиторами до нынешнего времени.
Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750 гг.) по праву считается композитором, который создал самые значимые образцы токкат и фуг. К этим формам он обращался всю жизнь. Технику фуги исследовал до самых глубин, и принято говорить, что именно он исчерпал все возможности этого жанра, создав два монументальных цикла : «Хорошо темперированный клавир» и «Искусство фуги». Последнее произведение по праву называют музыкальным завещанием гения. Фуги Баха имеют огромную ценность не только как шедевры искусства, но и как дидактический, теоретический и даже философский материал, в котором музыкальным языком зашифрованы глубокие размышления и фундаментальные знания о мироздании. Созданные им токкаты раскрыли технические возможности клавишных интсрументов, особенно органа, революционизировали исполнительскую технику, и можно даже сказать, что послужили основой разного рода пьес для самых разных инструментов, целью которых является именно оттачивание виртуозности. Большая часть токкат была написана Бахом в молодые годы, когда он работал как органист, смотритель и настройщик органов, хотя на всю жизнь орган оставался его любимым — настоящим «королём всех инструментов» . Именно в этой ипостаси — а вовсе не как композитора — знали и ценили Баха его современники. Токкаты были нужны для проверки и демонстрации возможностей инструмента, а также использовались для заполнения пауз между хоралами лютеранского богослужения.
Интересующая нас Токката и фуга в Ре минор, вне сомнения — одно из самых знаковых произведений классической музыки всех времён и народов. До такой степени, что нарицательное название превратилось в собственное, и когда его произносят, у всех возникает образ именно этой музыки, хотя Бах написал больше сотни токкат и фуг, в том числе несколько в Ре минор. Так вот, именно это — для многих самое известное произведение Баха — имеет довольно смутную историю. Авторство его находится под сомнением. Есть музыковеды, полагающие, что написана она не Бахом, и на самом деле лет на сто моложе — то есть появилась примерно в начале девятнадцатого, а не восемнадцатого века. Уж очень не похожа именно эта токката на всё, что когда-либо создал Бах, ни на то, как писали токкаты и фуги в позднем барокко. Есть определённые композиционные приёмы, которые встречаются только в этом произведении, и больше нигде ни разу в творчестве Баха не появляются. Не существует и подлинного автографа этого произведения, только копия в материалах И. П. Кельнера, хронографа жизни и творчества Баха. Однако именно этот факт для многих исследователей творчества композитора является доказательством в пользу спорного произведения — токката и фуга нашлась среди прочих произведений такого же типа, подлинность которых не оспаривается. Её особенности объясняют тем, что это один из самых ранних творческих экспериментов молодого Баха, и предназначение её было не столько соответствовать строгим законам композиции, сколько быть практическим инструментом для проверки технических возможностей одного из органов, а именно арнштадстского. Это была первое место работы Баха — смотритель и органист в Арнштадте, в период с 1703 до 1707 годов. Приверженцы гипотезы аутентичности Токкаты и фуги Ре минор утверждают, что как раз особенности арнштадтского органа — у которого не было всех регистров — обусловили нетипичные черты произведения.
Так или иначе, гениальное произведение занимает достойное место не только в истории музыки, но и в активном репертуаре современных исполнителей. Сделано множество переложений пьесы для самых разных инструментов, в том числе и оркестровых обработок. Яркий мордент, повторяющийся с интервалом в октаву, которым начинается токката, стал эмблемой европейской классической — и не только — музыки. Его можно услышать в саундтреках фильмов, в рок-музыке, в компьютерных играх…
Дэвид Гарретт всегда подчеркивал, что именно Иоганн Себастьян Бах является его композитором, наиболее вдохновляющим и дающим невероятно разнообразный материал для творчества. Произведения гениального композитора постоянно присутствуют в репертуаре скрипача. Кавер на «Токкату и фугу» по праву считается одной из лучших, самых удачных его аранжировок. Можно сказать, что он стал одной из эмблем творческих идей самого Дэвида — смешение, объединение классики и современности, сохранение неизменной музыкальной сути в новой инструментальной и ритмической подаче. Скрипка ведёт виртуозную партию, а оркестровка поддерживает басовую линию. Дэвид динамизировал темп, сократил детальную разработку темы в фуге, и сконцентрировался на быстрых, виртуозных и технически сложных частях. Это позволило найти особое, новое звучание рок-композиции. Его кавер полностью подтверждает и подчеркивает название и определение жанра «токката» - демонстрация возможностей инструмента и исполнителя. В пьеске длительностью не более четырёх минут ярко и уместно используется большое количество смычковых штрихов, и именно на разнообразия звукоизвлечения строится построена разработка основной темы. Тематическая линия поддерживается электрогитарой, сохраняя полифоническое звучание равноправных частей. Летящий ритм воплощает саму идею фуги — бега, движения. Даже больше - особенности звучания скрипки — инструмента струнного — превращают побег в полёт, и вечное произведение взмывает ввысь, как космический корабль… И фуга — один из самых старых жанров, одна из самых сложных композиционных техник — становится органической частью современного ритма.
Дэвид Гарретт. Токката. Альбомы «Free” и “Virtuoso”, вышедшие соответственно в марте и ноябре 2007 года. Первые полностью кроссоверные альбомы. Эта тема часто фигурирует под названием Toccata oma, хотя в альбомы она вошла под названием Toccata. Возможно, Дэвид исполнял это произведение вживую на самых первых своих кроссовер-концертах. Я сумела найти только одно видео 2009 года.
Произведение принадлежит перу Дэвида, оно аутентично и не является кавером на конкретную тему или пьесу. Однако название безошибочно отправляет нас к музыке барокко, к особенной форме и особому жанру. Слово «токката» происходит от итальянского toccare, что значит «трогать», «касаться». Сначала так называли все произведения для клавишных инструментов, однако уже во второй половине семнадцатого — первой половине восемнадцатого веков термин стал обозначать особенный жанр, в основании которого лежит виртуозное использование инструмента. Токката имеет довольно свободную импровизационную форму, даже черты рапсодии, то есть состоит из нескольких коротких разнородных тем, которые обычно проводятся то левой, то правой рукой. Токкаты создавались как вступительные части циклов органной или клавирной музыки, а также использовались для заполнения пауз между частями лютеранских хоралов, или даже для быстрого разучивания и своеобразной репетиции хоральной мелодии — ведь в те времена органисту, да и другим музыкантам, нередко приходилось играть без предыдущих репетиций. Ещё одно — пожалуй, самое важное - предназначение токкат — изучение и демонстрация технических возможностей как инструмента, так и виртуозности и мастерства исполнителя. Среди композиторов, создавших наиболее яркие образцы в этом жанре, надо назвать Алессандро Скарлатти, Дитриха Букстехуде и особенно — Иоганна Себастьяна Баха. Они придерживались правил полифонической композиции.
Токката Дэвида Гарретта полностью сохраняет все черты и особенности жанра. Конечно, написана она не для клавишного инструмента, а именно для скрипки — и очень заметно, что Дэвид писал её для своей собственной скрипки и под свою собственную манеру игры. Надо вспомнить, что во время учёбы в Джульярде, в 2003 году, Дэвид Гарретт получил первое место как композитор фуги, написанной в стиле Баха. Это свидетельствует о серьёзных теоретических познаниях и практических навыках в вопросах композиции. Мы не имеем возможности услышать ту фугу (очень жаль, хотелось бы надеяться, что она не потерялась и когда-нибудь станет доступна ценителям). Но то, что Дэвид обращается к барокковой форме при создании своего собственного произведения в начале новой, кроссоверной карьеры, говорит о многом. Это сразу расставляет акценты и задаёт вектор его творческой деятельности: очень серьёзная, классическая база, использование всего сложнейшего арсенала композиционных средств, ориентация на высочайшее качество — и невероятно свежее, актуальное звучание, которое достигается особенностями звукоизвлечения, ритмизацией и привлечением новых, современных инструментов при оркестровке. Не удержусь в нейтральном и беспристрастном тоне, потому что искренне считаю это произведение одним из лучших и совершенно особенных в творчестве Дэвида. Это необыкновенная, футуристическая пьеса, такая фантастическая «гостья из будущего», которая уже в 2007 году, в самом зародыше этого феномена, которым стал Дэвид Гарретт, предварила появление таких каверов, как, например, «Sandstorm” ,“Thunderstruck” или та же «Toccata” И. С. Баха. И многих, многих других, где скрипка звучит так, как она не звучала никогда и ни у кого в руках. Этот привычный — далеко не самый звучный, хотя и очень виртуозный — аккустический инструмент без каких-либо технических ухищрений, только благодаря мастерству, технике, глубокому знанию и безмерной любви к музыке и к звуку приобретает уникальное звучание, с реминисценсиями электрогитары. И при этом сохраняет свой собственный неповторимый голос. Я убеждена, что Токката Дэвида Гарретта — произведение гениальное, и пока что не получило настоящей оценки, хотя ценят его высоко. Но эта маленькая — меньше четырёх минут — пьеска таит в себе сжатые в пружину симфонические замыслы. Короткие, предельно насыщенные музыкальные фразы требуют нечеловеческого темпа исполнения и какой-то совершенно неописуемой техники правой руки. Я даже не знаю, найдутся ли названия для всех используемых Дэвидом смычковых штрихов. Но не только правая — левая рука тоже показывает чудеса. Больше, чем чудеса скорости. На единственном видео, которое я нашла, можно различить, как Дэвид играет некоторые фразы чем-то средним между обычной нажатием на струну и пиццикато пальцами левой рукой. Звук получается уникальный, чёткий, отрывистый, он бьёт по неравм как электрический разряд. Отдельно надо сказать об экспериментах с ритмической структурой Токкаты. Исполнить её вместе с оркестром, сохранив чёткость, выразительность и яркость — это мастерство в превосходной степени. Мне эти эксперименты напомнили суперкачественный кавер «Dangerous”. А встроенная в самое сердце цитата с клавирным звучанием, как золотая цепь, связывает произведение двадцать первого века со всеми столетиями европейской музыки. На видео нет одного важного момента, который, без сомнения, является не только украшением, но и идейным завершением темы : особого, достигнутого , наверно, каким-то невероятным глиссандо вскрика, взлёта, когда кажется, что присутствуешь при акте рождения… Этот миниатюрный шедевр, это чудо несёт в себе зёрна и жемчужины Дэвидовых творческих идей и замыслов — например, бездонную галактическую мощь «Furious”. И кто знает, кто знает, что ещё зреет в том вулкане...
Whole Lotta Bond (Кавер Дэвида был выпущен на альбоме Music (2012)
Дэвид о кавере: «Я очень люблю слушать музыку к фильмам. Я большой фанат Ханса Циммера, Джона Вильямса.. пару штук уже записал. Этот трек — основная тема к фильму «Бонд». Я искал способы сделать это немного интереснее, современнее. И так как она имеет ту же гармоническую последовательность, как и «Whole Lotta Love» Лед Зеппелина, я свёл их вместе, и считаю, что получилось довольно интересно.» (http://david-garrett-russianfans.ru/viewtopic.php?id=..)
Исходя из этого сегодня будет разговор сразу о двух композициях: Монти Норман, Джон Барри «Тема Джеймса Бонда» и "Whole Lotta Love" Led Zeppelin
«Тема Джеймса Бонда» У музыкальных истоков бондианы стоят два человека – композиторы Джон Барри и Монти Норман. Именно они создали основную инструментальную тему, звучащую в первом фильме "Доктор Ноу" (1962). Несмотря на то, что композиция стала знаковой как для бондианы, так и для истории кино, она не была поощрена престижными премиями.
До сих пор вызывает вопросы авторство "Темы Джеймса Бонда". Продюсеры изначально пригласили на проект композитора Монти Нормана, но его работа их не удовлетворила. После этого к созданию фильма подключился Джон Барри, и результатом сотрудничества стала самая известная фирменная мелодия в кинематографе. Однако единоличным автором "Темы" до сих пор остается Монти Норман, хотя были суды и публичные разбирательства с участием Барри.
Справедливость в любом случае восторжествовала, но в ином ключе. Джон Барри в будущем стал ключевым композитором бондианы. Он создал музыку к более чем десяти фильмам, заняв почетное место на кинематографическом Олимпе как родной Великобритании, так и США. Стиль Барри легко узнаваем: композитор любил делать акценты на струнных и духовых, и не слишком увлекался экспериментами. Источник: http://www.m24.ru/articles/89257?utm_source=CopyBuf
«Whole Lotta Love» — первая и самая известная песня второго альбома британской рок-группы Led Zeppelin, «Led Zeppelin II». Визитной карточкой песни являются гитарный рифф, который в унисон играют Джимми Пейдж и Джон Пол Джонс, а также соло на электромагнитном инструменте терменвоксе (в сингловом варианте «Whole Lotta Love» этого соло нет). В 1962 году Мадди Уотерс записал «You Need Love», которую написал для него его сверстник Вилли Диксон. В 1966 году британская мод-группа Small Faces записала песню как «You Need Loving» для их одноименного дебютного Decca LP. Некоторые части текста версии Led Zeppelin были скопированы из песни Вилли Диксона, любимца Планта. Фразировка Планта особенно похожа на фразировки Стива Мэрриотта в версии Small Faces. Сходство с «You Need Love» могло привести к иску против Led Zeppelin в 1985 году, но спор был урегулирован во внесудебном порядке в пользу Диксона. Роберт Плант, большой поклонник блюз- и соул исполнителей, регулярно цитирует другие песни, особенно на концертах.
Пейдж признавал, что важную роль в оформлении срединной (шумовой) части композиции сыграл звукоинженер Эдди Крамер: «Я точно объяснил ему, чего хочу от средней части Whole Lotta Love, и он блестяще помог мне достичь желаемого. У нас было заготовлено много звуков на плёнке, включая терменвокс и обратное эхо слайд-гитары, но именно его познания в области низкочастотных колебаний помогли мне эту картину эффектов завершить. В противном случае пришлось бы искать другие решения. — Джимми Пейдж, Guitar World, 1993» На концертах Led Zeppelin играли эту песню на протяжении почти всей своей карьеры, вплоть до 1980 года. Песня разрасталась, в неё «приходили» различные вставки из других песен (ранее исполнявшиеся как часть «How Many More Times» из первого альбома группы), в том числе «Good Times, Bad Times», «Your Time Is Gonna Come» и другие. «Whole Lotta Love», наряду с «Stairway To Heaven» (из альбома «Led Zeppelin IV»), считается одной из самых известных композиций Led Zeppelin. Гитарный рифф песни признан слушателями британского Радио 2 лучшим риффом XX века. По мнению музыкального продюсера Стива Левайна, рифф является одним из самых важных гитарных риффов XX века.
Я искал способы сделать это немного интереснее, современнее. И так как она имеет ту же гармоническую последовательность, как и «Whole Lotta Love» Лед Зеппелина, я свёл их вместе, и считаю, что получилось довольно интересно.» Это как раз то, что отличает каверы Дэвида от многих других : теоретическая база, на которой всё зиждется. А талатнт, как острый луч - или как острый скальпель - выделяет всё самое выигрышное. Но это не случайные находки, а именно целеустремлённый поиск.
Это как раз то, что отличает каверы Дэвида от многих других : теоретическая база, на которой всё зиждется. А талатнт, как острый луч - или как острый скальпель - выделяет всё самое выигрышное. Но это не случайные находки, а именно целеустремлённый поиск.
Вот эта теоретическая база меня всегда умиляет)) То, как он ее применяет по отношению к мелодиям современности)
Иоган Себастьян Бах. Сонаты и партиты для скрипки соло BWV 1001 – 1006.
Дэвид Гарретт.
Партита № 2 для скрипки соло в Ре минор BWV 1004. Записана полностью в студийном альбоме 1995 года под названием «David Garrett. Alexander Markovich. Violin Sonatas” . Запись альбома была сделана на год раньше, когда Дэвиду было тринадцать лет.
«Жига» - Gigue из этой Партиты вошла в альбом «Pure Classik “ 2002 года.
Эти части можно послушать только в записях.
«Чакона» - Chacona – Дэвид исполнял её несколько раз, когда снимался на телевидении, а также в одном из флешмобов. Существуют отрывочные видеозаписи.
“Анданте» - Andante из Cонаты № 2 для скрипки соло в Ля минор BWV 1003, а также
«Сарабанда» - Sarabande из Партиты № 1 для скрипки соло в Си бемоль минор BWV 1002 - эти произведения Дэвид часто играет на бис. Есть много видеозаписей разных лет.
Значение терминов и объяснение названий барокковых жанров (на материалах Википедии и других)
Bach-Werke-Verzeichis, аббревиатура BWV – Каталог работ Баха (1685 — 1750 гг.) - система нумерации, уложенная Шмидером в 1950 году и регулярно обновляемая в процессе изучения работ композитора. Последнюю версию подготовили А. Дюрр и Ёс. Кобаяси. Нумерация BWV используется повсеместно. Это общепринятый способ ссылки на работы Баха. В основе каталога лежит не хронологический, а тематический принцип. Это отличает его от каталогов произведений других классических композиторов и связано с тем, что большинство работ Баха не могут быть точно датированы. По традиции они издавались по жанрам.
Необходимо учитывать тот факт, что музыкальные названия жанров претерпели довольно серьёзную трансформацию как раз на рубеже между барокко и классицизмом. Поэтому стоит указывать, что речь идёт именно о барокковом жанре, во избежание искажений значения слов.
Партита (от итальянского partita, то есть разделённая на части) — форма камерного музыкального произведения в период барокко. По структуре и предназначению является разновидностью сюиты.
Сюита (от французского suite - “ряд», «последовательность», «чередование») - одна из основных разновидностей циклической формы в инструментальной музыке. Смысл термина претерпел изменения с момента возникновения и до наших дней. Вначеле сюита объединяла несколько небольших частей, каждая из которых, по сути, была одним из танцев, причём композиционно танцы контрастировали — чередовались быстрые и медленные. Возникла во Франции, и в самом зародыше действительно выполняла функцию своеобразной программы танцев при дворах. Но очень скоро прикладное значение музыки ушло на второй план, и сюиты стали яркой, выразительной формой инструментальной музыки, предназначенной для слушания. Сложилась точная последовательность частей камерной сюиты:
1) Аллеманда - allemande – основная чась сюиты, в среднем темпе, может быть полифонической. 2) Куранта — courante - оживлённый танец в трехдольном размере. 3) Сарабанда — sarabande - очень медленный танец, часто со скорбным звучанием, сосредоточенного и интроспективного настроя. 4) Жига — gigue – самый быстрый танец трехдольного размера. Тоже может быть полифоническим.
В сюиты со временем стали добавлять и другие танцы, а также прелюдии. Важно было соблюдать тональное и тематическое единство, и сохранять эффект цикличности, когда начальная тема, претерпев развитие и изменения, возвращалась под конец сюиты. Можно сказать, что барокковая сюита как идея - с её контрастностью, полифоничностью, яркостью и тонально-гармоническим единством - стала основой западноевропейской оркестровой музыки.
Партита по сути является той же сюитой, с той разницей, что обычно в ней больше четырёх частей, могут быть включены другие танцы (марши, менуэты, гавоты, бурре, чаконы, арии и другие, а также созданные по законам контрапункта дубли — double – основных частей). В более позднее время термин стал обозначать совершенно другой жанр, и надо делать различия между сюитой барокковой и, например, романтической.
Соната (от итальянского sonare – звучать или играть на музыкальном инструменте) — в период барокко этот термин значил буквально «произведение для исполнения на музыкальном инструменте», в отличие от тех, что сочинялись для пения. Это были композиции для одного или нескольких инструментов, чаще всего трёх (обязательного басового сопровождения, представленого виолончелью или клавишным, и двух инструментов, представляющих так называетмые белые голоса, например, двух скрипок, или флейты и виолы да гамба) — тогда жанр назывался трио-соната, и именно он стал основной формой барокковой камерной музыки. Существовало два вида : церковная соната — sonata da chiesa – то есть музыка для исполнения в церкви между частями богослужения, и камерная соната - sonata da camara – инструментальная музыка для домашнего музицирования. Церковная соната имела более строгую форму — четыре развёрнутые полифонические части, ритм которых контрастировал и чередовался (медленно-быстро-медленно-быстро). В отличие от сюит части сонат почти всегда назывались словом, которое обозначало темп, а не названием танца, например анданте — andante, ларго — largo, престо - presto или аллегро — allegro. Церковные сонаты не имели специального литургического значения — просто церковь была тем местом, где можно было позаботиться о душе, в том числе и слушая прекрасную музыку. Довольно скоро разница между двумя видами сонат стала исчезать. Уже во второй половине восемнадцатого столетия, с развитием стилистики классицизма, значение термина «соната» меняется — так именуют новую композиционную технику и созданные с её помощью музыкальные формы. Суть этой новой техники в том, что в произведении или в его части, написаной в сонатной форме, чётко выделяются три раздела: экспозиция, в которой противопоставляются две мелодические темы, одна из которых главная, а вторая побочная; разработка — центральный и самый важный раздел, где эти темы динамически развиваются, и при этом проявляется основная идея сонатной формы — конфликтность и драматизм, противопоставление образов; и реприза, где темы экспозиции повторяются с тональными и иными изменениями. Чтобы не путать два понятия, имеет смысл оговариваться, что речь идёт именно о барокковой сонате. Однако самая основная суть термина всё же сохранилась — небольшое тематически и гармонически единое произведение, состоящее из трёх, реже четырёх частей, контрастных по темпу, написанное для камерного исполнения на одном инструменте или в сопровождении нескольких других.
Чакона — chacona или ciacona- инструментальная пьеса эпохи барокко, в основе которой лежит популярный народный испанский танец в оживлённом темпе ¾. Она представляет собой полифонические вариации одной темы, которая в неизменном виде повторяется в басу. Со временем темп чаконы стал более медленным, а общий настрой — более серьёзным, иногда даже печальным или скорбным, плачевным. В вариациях использовались все известные орнаментальные приёмы. У И.С.Баха чакона приобретает черты ламенто - от итальянского lamento - “жалоба», «плач», или томбо -от французского tombeau, что значит «могила» , то есть черты обрядовой жалобной песни.
Историческая справка о Сонатах и Партитах Иоганна Себастьяна Баха
Когда говорят о Сонатах и Партитах И.С.Баха для скрипки соло, обычно допускат две неточности. Во-первых, название. Сам Бах назвал цикл «Sei solo - a violino senza basso accompagnato”, что значит «Шесть соло для скрипки без басового сопровождения». В цикле чередуются три церковные сонаты, состоящие из четырёх частей каждая, и три партиры, включающие в себя довольно расширенный репертуар танцев, от пяти до восьми каждая. Поэтому общепринятое название цикла полностью оправдано, хотя дал его не Бах. Самому Баху, судя по автографу произведения, было не так важно точно определить жанр, как особо подчеркнуть тот факт, что созданная им сложная полифоническая музыка действительно должна исполняться на одном-единственном одноголосном инструменте, которым является скрипка. Здесь кроется вторая неточность.
Принято говорить, что Бах завершил немецкую традицию написания полифонической музыки для скрипки — а эта традиция была связана с особенностями конструкции барокковых смычков и скрипок : cмычок имел более выпуклую форму и его волос не был туго натянут, а у скрипки был ниже мостик, и струны находились почти на одной высоте и были более мягкие, что позволяло захватить более двух струн, и таким образом играть одновременно несколькими голосами. Ещё при жизни Баха произошли значительные изменения в конструкции струнных, и считается, что на современных инструментах его произведения играть ещё труднее.
Говорят также, что Бах, наоборот, зачал традицию создания расширенных тематических циклов для скрипки соло. Однако я считаю, что и то и другое не совсем верно. Дело в том, что Сонаты и Партиты для скрипки соло И.С.Баха просто не имеют аналогов в музыке — ни до него, ни после. Конечно, было написано много музыки для скрипки соло — в том числе и на несколько голосов. Но такого гармонического разнообразия, таких экспериментов со звукоизвлечением, таких эмоциональных эффектов, как в цикле Баха, нет ни у кого. У него одна скрипка действительно звучит временами почти как маленький оркестр. И, конечно же, после Баха было создано очень много эмоциональной музыки для скрипки соло, особенно в период романтизма. Но тематическая всеохватность и философская глубина произведения Баха никем не была повторена. Эта музыка по мощи сопоставима с большими жанрами, требующими вовлечения многих исполнителей, такими как пассионы или большие симфонии, например. Достичь подобного влияния на слушателя одним-единственным одноголосным инструментом не сумел больше ни один композитор во всей истории…
Цикл создавался много лет, начиная с веймарского периода, то есть с 1703 года, а закончен был где-то в начале 1720-ых годов, когда Бах работал капельмейстером в Кётене. В это время композитор написал очень много светской музыки, много музыки для оркестра, среди прочего «Браденбургские концерты». В общей сложности все Сонаты и Партиты составляют тридцать две пьесы длительностью каждая от трёх до пятнадцати минут (знаменитая Чакона) Весь цикл — это больше двух часов музыки, тематически, жанрово и гармонически единой.
Среди любящих и изучающих музыку И.С. Баха есть особая группа ценителей, которые называют его «пятым евангелистом» и находят в его произведениях библейскую историю. С этой точки зрения Соната и Партита № 1 (соответственно в Соль миноре и Си миноре) - это рассказ о рождении Иисуса Христа и о его жизни. Соната и Партита № 2 (в Ля миноре и в Ре миноре) — история ареста и распятия, и именно Чакона является ничем иным как Крестной дорогой Спасителя. А Соната и Партита № 3 (в мажорных тональностях До и Ми) — это Воскресение и веселье, с ним связанное. Есть исследователи, которые находят огромное количество нумерологических доказательств зашифрованного в этой музыке евангелького повествования, и существует очень увлекательная литература об этом, хотя точных данных, похоже, нет ни у кого. Бах не оставил никаких объяснений на этот счёт, кроме самой музыки, которая — да, действительно, вполне может быть воспринята как одно из Евангелий...
Самая известная часть цикла, вне сомнения — Партита № 2 в Ре минор, завершающаяся бессмертной Чаконой, по мощи своего влияния не имеющей равных. Недаром нарицательное название жанра стало именем собственным. Чакона И.С.Баха — это явление. У того, кто её слушает, происходит катарсис : эта музыка способна перевернуть душу человеку, буквально поменять его взгляд на мир. Об этом говорили и писали многие, например, поэтесса Анна Ахматова. Иоганн Брамс так сказал о Чаконе : «На мой взгляд, это одно из самых удивительных и самых таинственных произведений в истории музыки. Приспосабливаясь к технике маленького инструмента, человек создаёт целый мир, полный самых глубоких идей и самыми мощных чувств. Когда я пытаюсь представить себя пишущим, или даже просто задумавшим написать такую пьесу, то понимаю, что крайнее возбуждение и нервное напряжение свели бы меня с ума...»
В 1720 году, когда 35-летний Бах находился за границей со своим хозяином, князем Ангальт-Кётенским, неожиданно скоропостижно скончалась его жена Мария Барбара, оставив четырёх малолетних детей. Музыковеды, изучающие творчество Баха, доказали, что Партита № 2 написана в её память. В произведении нумерологически зашифровано её имя, звучат мелодические цитаты лютеранских хоралов, исполняемых во время погребения. Бах выбрал тональность Ре-минор — самую скорбную и печальную, в ней написан, например, Реквием Моцарта.
У Партиты № 2 необычная форма. Она состоит из пяти танцев : аллеманда, куранта, сарабанда, жига и чакона. В первых четырёх частях можно услышать рассказ о любимой женщине, о её ласковой и добродетельной природе, о благодатном времени, когда они были вместе. Музыка наполнена сдерживаемой печалью, и только жига звучит светлее - как счастливые воспоминания. А последняя часть — чакона - по длительности превосходит четыре предыдущих танца вместе взятых. Это совершенно необычно для сделанной по строгим правилам музыки барокко. Бах целенамеренно подчеркивает особое значение именно этой музыки, он выделяет её всеми средствами. Согласно закону золотого сечения, именно эта часть является смысловым и структурным центром всего цикла, она поднимается как идейный и эмоциональный пик — пожалуй, пик всей европейской музыки… В строгом жанровом определении Чакона приобретает черты ламенто или томбо, то есть обрядовой жалобной песни о рано ушедшей дорогой жене. Ну а если попробовать говорить о чувственной составляющей музыки … Это пронзительное, душераздирающее рыдание, это великая осиротевшая любовь, это смирение и вера в Божью благодать… Музыка острой боли и благословенного света — она как хрупкая жизнь перед лицом смерти и перед лицом Вечности…
Весь цикл Сонат и Партит справедливо считается не только духовной, но и эстетической, музыкальной, а также технической вершиной в литературе для скрипки. Неизвестно, для кого они создавались, и исполнялись ли при жизни композитора, но есть большая вероятность, что писал их Бах для себя, и сам и исполнял. Он был великолепным скрипачом, обладающим чистым и мощным звуком. Так или иначе, эти произведения требуют виртуозного уровня владения инструментом. В цикле есть одноголосные части, но есть и много полифонических, в которых каждый голос равнозначен. Исполнителю мало быть исключительно музыкальным от природы — ему необходима серьёзная теоретическая база, чтобы достичь «говорящего», живого звучания, того, что называют правильной артикуляцией и хорошей фразировкой. Ну а то, что касается звукоизвлечения, требует отдельного разговора. Во многих местах скрипка звучит как настоящий орган. Есть много арпеджио, которые даже скрипачи называют педальными, хотя на скрипке уж точно нет педали. Это значит, что нужно не просто играть арпеджио, но ещё и удерживать или повторять одну базовую ноту. Есть и такие части, где звучание скрипки уподобляется квартету струнных, то есть надо расчетвериться. А во многих самых лирических местах звук настолько напоминает человеческий голос, что кажется — можно разобрать слова… Партита № 2, кроме всего прочего, требует ещё и немалой моральной силы, чтобы выдержать интенсивность эмоций, и жизненного опыта, чтобы эти эмоции правильно канализировать в музыку. Румынский виртуоз Джордже Энеску назвал это произведение «Гималаями для скрипачей».
И вот на эти Гималаи поднимается тринадцатилетний ребёнок… Дэвид Гарретт сыграл Партиту № 2 в 1994 году, когда записывал свой второй альбом, полностью посвящённый сонатам для скрипки. Оставлю в стороне мои размышления о том, кому пришла в голову идея выбрать для профессиональной записи именно это произведение — ведь солистом был человечек ещё очень юный, хотя уже довольно опытный скрипач... Я прослушала огромное количество разных записей этого цикла — почти всё, что смогла найти. Мой фаворит — Ицхак Перлман, помимо Яши Хейфеца с его непревзойдённо сыгранной Чаконой. Дэвидова игра вызывает такие сильные чувства, что для того, чтобы послушать запись ещё несколько раз — по возможности бесстрастно, в плане подготовки этого поста — мне пришлось дождаться особого эмоционального состояния и искать совершенно уединённое место…
Дэвид играет очень узнаваемо. У него более медленный темп, чем обычно выбирают скрипачи, особенно в Чаконе. Не знаю, подсказал ли ему кто-то из находящихся в это время рядом взрослых, или это был его интуитивный выбор. Это удачный, правильный выбор. Ясно, светло слышно каждую округлую и выпуклую нотку, каждый штрих. Он играет очень мягко, очень аккуратно, очень уравновешенно. Трогательно избегает ярких эффектов. Фразирует сбалансированно, уважительно, словно под линеечку. Но в игре нет ни намёка на механичность - чувственность и чувствительность выходят на первый план, скорбь и печаль приобретают оттенок мягкости и неописуемой глубины. Отдельно хочу сказать о Жиге. Мне действительно нравится гораздо больше, как играет её юный Дэвид, чем кто бы то ни было. Даже Перлман… Как ни странно, именно некоторое замедление темпа даёт возможность полностью почувствовать все эмоциональные нюансы. Это не только радость. У Дэвида Жига получилась намного теплее — он уже тогда излучал этот восхитительный жар, который энергетически подкрепляет стольких людей! Его музыку пронзает особое искреннее чувство - «я живой!».
Именно жизнелюбие — cквозь уязвимость и беззащитность — это эмоциональная эссенция Партиты, сыгранной Дэвидом. И со смешанным чувством ужаса и восхищения признаёшь — Дэвид взошёл на этот страшный, гордый, великий Эверест. Хрупкий и открытый, он взошёл туда в одиночестве. И ощущаешь недетский фон его могучей силы - как и всё настоящее, как и всё драгоценное, в огне и в космосе Чаконы он стал крепче и ярче.
Иногда я думаю, что, возможно, он был бы совсем другим, если бы не прошёл сквозь эту музыку так рано. И если бы эта музыка так рано не прошла сквозь него…
В его творчестве Бах присутствует постоянно. Он выбрал две части из цикла Сонат и Партит, которые исполняет на бис. Более умиротворённого выражения лица, чем когда он играет эти пьесы, я у Дэвида не видела. Хотя они невероятно сложны технически — это как раз полифонические части. В Анданте из Сонаты № 2 – Дэвид сыграл его для ClassicFM - скрипка аккомпанирует сама себе так выразительно, что тот, кто не видит исполнителя, уверен - звучат два разных инструмента. Дэвид играет её безупречно, действительно забываешь, что это только одна скрипка. И озаряет таким сиянием эту меланхолическую мелодию! В Сарабанде из Партиты № 1 присутсвует скрытая полифония — звучание ещё более объёмное. Её эмоциональный настрой близок к Чаконе. Когда Дэвид её исполняет, кажется, и вправду рядышком присел «неприметный в полном зале Бог...»
Во многих интервью Дэвид повторяет, что Иоганн Себастьян Бах без сомнения является самым важным для него, самым любимым композитором. Он рассказывает о том, что именно произведения Баха использует как материал для репетиций и тренировок. В одной из давнишних программ, посвящённой как раз Чаконе, сравнивают игру нескольких скрипачей — Джошуа Белла, Иегуди Менухина, Чарли Сиема, и Дэвида Гарретта тоже. Конечно же, тёплую и сияющую Дэвидову скрипку можно узнать среди всех, даже самых лучших. Не иссякает надежда, что когда-нибудь, уже взрослый и изменившийся, он снова сыграет Чакону, проживёт её от начала до конца. Как сам он говорит — с нуля, с чистого листа. И мы услышим...
Это большой стыд, но я так и не сумела сделать пост по-человечески. Я хотела свернуть всю теорию - о названиях жанров, и об истории написания Сонат и Партит тоже. Не свернула, только попытка заметна. Вполне может быть, что такое количество теоретического материала не всем интересно, не всем нужно, и не у всех есть время его читать. В свёрнутом виде - в самый раз : кому надо, тот развернёт. Не получилось. Мне очень жаль. Пост до невозможности огромен. Может, можно исправить?
